“Que estás mirando?150 años de Arte Moderno  en un abrir y cerrar de ojos”  de Hill Compréis,  Grupo Santillana,  que  aparece en mi Kindle Fire,  gracias a eso de “Cría fama y echate a dormir” pues  habiendo difundido sin reserva mi afán enorme de aprender,  saber,  enterarme y estar al día por medio de la lectura,  tengo en éste regalo de mi hijo Alejandro,  un buen surtido de libros que son mi universidad y deleite.    Pues bien, justo en  el capítulo sobre CEZANNE El  padre de todos nosotros, l830-1906  <<Fue el  primer artista que pintó usando ambos ojos>> dijo David Hockney (nacido en 1937)  quien a sus 70 años conserva un humor muy británico al hablar sobre arte  y - el  autor continúa narrando la plática que sostuvo con él -respecto  al más maniático de todos los  impresionistas  y último posimpresionista francés, el más viejo, el que estaba al comienzo del impresionismo pero no en su final;  al que considera el mayor artista de todo el arte moderno, “aquel que Picasso llamó <el padre de todos nosotros>  y  que el propio autor del libro  remarca:  Cuando uno capta el arte de Cézzane, el resto cae hecho añicos.

Todo esto  mientras deambulaban por una exposición del propio Hockney al que le fueron cedidas las regias salas de la Royal Academy en Picadilly para que las llenara, como parte de los fastuosos eventos que Londres preparaba para los Juegos Olímpicos ese verano de 2012.

Según nos narra el autor Hockney pintó una y otra vez colinas, campos, árboles y senderos del este de Yorkshire al norte de Inglaterra;   quien  con  sus más de setenta años vuelve al taciturno paisaje británico  después de haber vivido y trabajado los últimos treinta años en Hollywood.  

Ahora viene el momento de reencuentro en mi memoria: el texto describe que se trata de obras al óleo (e impresiones de iPad), tan fascinantes como excitantes en colores y formas: “púrpura, troncos de árboles color naranja y hojas que se convierten en lágrimas en tecnicolor. Y EXCITANTES  por el hecho que  por lo menos en los últimos cien años un pintor de fama internacional como Hockney lleva a cabo la creación de un nuevo paisaje rural inglés,”  imaginando la naturaleza  como en su momento, cien años atrás, lo hiciera en Francia, el pintor genial del que estamos hablando: Paul Cézanne.

Continúa narrando el autor que mientras hablaban y deambulaban por la muestra Hockney hace  observaciones desapasionadas sobre la forma en que se perciben las imágenes puntualizando el hecho de observar, remontándose al concepto inicial del hombre  cuyos contemporáneos llamaron el <<maestro de Aix>>   cuando eligió recluirse en su estudio  en Aix-en-Provence, al sur de Francia, cautivado por el paisaje de su tierra natal.

Por cierto, mi hijo Jorge y yo, recorrimos incansables los caminos señalados “a todas partes”, pretendiendo  encontrar el que nos llevara a la montaña Santa Victoria,  fue inútil,  y ahora me doy cuenta de que habría sido imposible  ya que  se encuentra a más de 13 kilómetros de su estudio.     

Hockney  descubrió su área de inspiración cerca de su lugar de nacimiento en Yorkshire, un lugar muy especial  y como Cézanne,  ha pasado varios años estudiando la naturaleza, la luz y el color para entender mejor lo que ve y lo que siente., para el evento del 2012 realizó  un paisaje gigantesco uniendo varios paneles cuadrados de  iguales dimensiones de manera que al separarlos cada uno revelara una creación casi abstracta,  con esto aparentemente también inicia su retiro a su lugar de origen para nutrir su espíritu creador  igual que Cezzane, con  el paisaje natal  e  igualmente analizar los detalles con gran detenimiento  a fin de expresarse  con libertad absoluta  y persona, según afirma..  Además. Hockney rechaza vigorosamente el uso de la cámara aseverando que ésta no es capaz de abarcar lo que ve un artista, “siempre se pierde algo” un paisaje, una naturaleza muerta es inmortalizar un momento de una imagen única, es la suma de días, semanas y hasta años contemplando un motivo concreto; es el resultado de información acumulada, experiencia, apuntes, estudio concepción de un espacio que concreta la composición, los colores y la atmósfera  en una obra de arte.  Cezzane  habría sido más drástico en sus observaciones.

 Leyendo estas narraciones,  buscando entender el porqué  de la creación de estos artistas, de la intensa motivación y  búsqueda que los movió  para poder  crear,  me permito una disquisición personal: ¿que pasa con el arte ahora, al día…. estos grafitis (como quiera que se escriba) que encontramos a cada paso,  que revelan?   Es que  la abstracción llegó a su límite de expresión,  es liberado, etc. etc. están bien documentados y sus tendencias radicales analizadas por los críticos de arte con gran claridad  basadas  en los acontecimientos  sociales,  económicos  y morales determinantes de la época. Mucho  ha contribuido  la información sobre Expresionismo Abstracto que encontré  en Wikipedia,  a contestar mis disquisiciones y además  a encontrar otra liga interesante entre tiempos:  acaso un mensaje extendido de la volatilidad del pensamiento-tiempo-expresión-espacio?  El pintor responde al cambio acelerado de todas las cosas?,  suprimir contenido y  responder a actos de intención espontánea? No me meto en aseveraciones de tipo social,  hasta ahorita creo estar pensando en arte solamente y retrayéndome a los artistas de E.U. que formaron toda una escuela  busco a Jackson Pollok  el casi fundador de la pintura por escurrimiento y todos los artistas de los años 40-70 que crearon  escuela con una forma diferente de  pintura calificada como expresionista y algunos otros términos  inventados por la crítica para poder describirla y vaya sorpresa!!!   LOS  artistas que  en 1940 iniciaron los movimientos pictóricos del escurrido,  la acción involuntaria libre,  el interiorismo Jackson Pollock  pasó un tiempo estudiando con David Alfaro Siqueiros,(uno de nuestros artistas bien reconocido por su inquietud  y  búsqueda de nuevos materiales) inspirado por su obra en 1936,  en cuyo taller  experimental  tuvo ocasión de trabajar con ”bomba”(traducción literal)de aire, aerógrafo, pigmentos sintéticos industriales, lo que lo llevó a probar otros materiales como barnices, aluminio, y esmaltes sintéticos. Mis recuerdos me llevaron entonces a la exposición de Don Luis Quintanilla, en la entonces conocida y siempre activa galería de Inés Amor,  acompañando a mi hijo Oscar,  amigo del hijo del artista, del mismo nombre, en donde  tuve la fortuna de  ser presentada al maestro Siqueiros,  platicar con él  sobre los nuevos productos que estaban surgiendo para uso industrial  y  ampliamente utilizables en el arte  lo que propició  que me invitase a visitar su taller en lo que ahora es el Polyforum Cultural Siqueiros,  y que   en aquel entonces  por los años 70 estaba en pleno desarrollo.  Ha quedado como recuerdo muy grato su trato amable,  el entusiasmo con que trabajó ese espacio pues había trasladado todo el proyecto del Casino de la Selva en Cuernavaca al  que ahora ocupa en la Av. Insurgentes por invitación expresa en ambos casos de Don Manuel Suárez; admirador de su trabajo y patrocinador entusiasta del mismo,  en donde  un buen  equipo de estudiantes de arte , pintores, escultores, trabajadores, todos jóvenes y entusiastas realizaba pintoescultura con resinas, esmaltes y fibras que ahora nos son muy accesibles y forman parte del uso diario  pero hace 50 años  David Alfaro Siqueiros experimentaba con ello  dejando un extraordinario testimonio artístico.  Recuerdo que tuvo la cortesía de llevarme entre andamios, botes de materiales, actividad intensa de jóvenes artistas, estructuras de metal,  madera y moldes  subiendo y bajando escaleras y con gran entusiasmo habló de su  intención de crear algo diferente, actual, dinámico,  acompañando su narrativa con activo lenguaje corporal y la expresión gratísima de sus ojos verdes. Sí, me  ha llenado de gusto esta mañana recordar a un hombre que fue firme en sus ideales políticos,  sufrió con la cárcel  las consecuencias de ello,  trabajó obra de caballete  cuyas dimensiones  respondían a la fuerza de su creación, dentro de un espacio limitado,  fue amigable y protector con sus estudiantes-ayudantes,  viajó y dejó testimonios con su obra  y su personal ideología. Tuve una segunda ocasión de saludarle cuando presentó la obra  de caballete y gráfica original resultado de su encierro carcelario en una  exposición en la Galería Misrachi  en las calles de Génova de la Zona Rosa,   entonces en todo su esplendor en la Cd. de México. Aún conservo el libro que se editó y el catálogo autografiado. Por cierto la portada  es de una obra titulada “Jesusito será rey” y es un  niño pequeño de espaldas a un árido paisaje, mínimos girones de ropa cubren su  cuerpo  y está pintado en los colores básicos: ocre, rojo indio, azul añil y verde.

Este es el primero de varios textos que pienso publicar, he decidido dejar fluir mi mente por un rato... 

Han pasado algunas semanas sin que pueda escribir mi blog,  porque el pensamiento  me lleva de un lado a otro, de una época a otra, de una escuela a otra, de una cultura a otra  etc. etc.  Y  estoy  hablando también, de mi oficio, después de ocho decadas y  pico,   es  ahora cuando me pregunto ¿Qué es el ARTE?  y como yo sola no llego a ninguna conclusión  me acerco a los analistas  actuales en la materia,  a los expertos en el mercado(desde luego través de la lectura)  , a los maestros,   a amigos y parientes interesados en éllo, tratando de tamizar mis propios criterios (sí,  tengo varios) que no se encuentran entre sí pues brinco mentalmente de la pintura como oficio que hasta ahora he ejercido con la convicción de que el artista debe ser honesto en todas las áreas,  en el conocimiento de lo que quiere expresar,   en la certeza de que sabe expresarlo y por lo tanto respaldarlo ante la crítica/rechazo/aceptación del espectador ,los galeristas, el mercado y todo  el embrollado medio que circula alrededor del arte,  que además sabe manejar su oficio con buena técnica, la certeza de que su obra no se va a craquelar, decolorar, o deformar  por cualquiera que sean las razones y que al ponerla a circular quedará en su mente y archivos  la seguridad de que si vuelve a saber de élla va a ser porque trascendió en el tiempo con buen  bagaje y ha incrementado su valor ( cosa que parece ser uno de los atractivos de adquirir arte).  A  lo que ha hecho historia  y  a  nuestra actualidad, que es la que no entiendo.  En fin…

El arte fue en su inicio expresión de vida, muerte y sobrevivencia  y con cuanto entusiasmo recorrí las cuevas de Altamira admirando las obras rupestres que ahora están tan bien protegidas para tratar de preservarlas,  y otras más dentro de la misma región no tan documentadas y reconocidas pero igualmente sorprendentes por que tuvieron su mismo principio, imaginación, creatividad, monumentalidad  realizadas por hombres que visto así puede clasificarse como primitivo ahora, pero en realidad fue genial.

Las épocas subsecuentes fueron documentadas por artistas locales en función de mística, temor,  religiosidad,  poderío,  notabilidad  y  política,  conformando  actualmente el acervo cultural de cada país y sus museos,  que a propósito, también  se encuentran ante la disyuntiva de cambiar para adecuarse a la época o sufrir la ausencia de visitantes que tienen a un toque de dedo toda la cultura, diversidad, entretenimiento e información que deseen.  Es decir  TODO está evolucionando a tal velocidad que  no alcanzamos a percibirlo.  En  esto me detengo,  y  humildemente  me  refugio en lo que sé, en lo que he  vivido a través de todos estos años  y siguiendo  el atinado consejo de mi hijo Alejandro que es el que me ha colocado en el uso de estos medios ciberneticos retorno a momentos que han dejado en mi  vida y mi oficio una buena lectura y aprendizaje pero además  sus  puntos de origen  continúan  enlazándose a otros  que los actualizan y vuelven a adquirir importancia abriendo nuevos cauces de interés  y descubrimiento.

 En l988 después de dos eventos importantes en New  York  mi hijo menor Jorge que fue mi compañero, y entusiasta ayudante en las tres últimas participaciones en la Art Expo N.Y. anual que se celebra con gran  publicidad  y éxito en esa urbe,  decidimos volar a Paris  para viajar  por Francia  en tren, parando en algunos lugares y con destino final a la ciudad de Toulón  para un evento que lamentablemente resultó   fallido  para nosotros pues la fecha fue cambiada y el traslado de la obra muy complicado, quedando en la memoria y el expediente curricular  la frustración consecuente,  los gastos erogados  y la pena de no haber cumplido con un compromiso contraído con colegas e incondicionales  amigas de todo el tiempo .  Sin embargo es en ese viaje que cruzamos Francia  de Paris a la Seinne Surmer que  divisé en su  momento a través  de la ventana del tren  la única montaña en el paisaje,  se veía con cierta frecuencia y recordé el cuadro de Cezanne  (Paul Cezanne, frances, impresionista)  que desde mis años juveniles me había llamado la atención, tanto, que fue el primer libro que compré en la librería Misraki en el edificio Nieto en la avenida Juárez de la ciudad de México, y como no lo voy a recordar si a los l5 años trabajaba como secretaria, laboraba  7 días de la semana, pagaba mi boleto de camión  Roma-Mérida y entregaba a casa la mitad de mi sueldo, por lo que una compra de libro de $ 50.00  pesos  significaba la tercera parte  de mi sueldo mensual.  Con esto quiero decir que fue mi descubrimiento  de la pintura impresionista y sigue siendo a la fecha  mi pintor preferido.    Han pasado los años pero  en aquel viaje insté a Jorge a bajarnos en Aix en Provance  pues ahí nació y murió Cezanne y lo que estabámos viendo era el Monte Santa Victoria que fue uno de sus temas  más explorados Ya en la ciudad  y después de instalarnos en un bello hotelito recomendado en la lista turística del servicio de Trenes  y acorde a nuestro presupuesto tuvimos nuestro primer encuentro  con el arte local en un pequeño espacio cultural donde exhibían   jóvenes artistas de la región,  no me encanta decirlo,  pero todos eran pequeños émulos de Cezanne,  la influencia de artistas creadores de escuela, son,  lamentablemente,  irreductible influencia en su región de origen, no digamos entonces de un maestro creador tan reconocido en el mundo del arte y rector intelectual y efectivo del movimiento impresionista y aún más….

Paseamos un poco la ciudad y encontramos dos letreros “al estudio de Cezanne”  y “a todas partes”  este último  después lo vimos en otras calles lo que me hace suponer que en l988 la ciudad no era muy grande lo cual no puedo constatar porque no he vuelto a visitarla,  pero de inmediato nos dirigimos al taller de Cezanne.en la parte alta  recorriendo callecitas empedradas con pequeñas casas que contrastaban repentinamente con grandes mansiones jardines y terrazas,  enredaderas floridas y ventanas llenas de geranios, en algunos espacios abiertos  pequeñas construcciones aparentemente dañadas en la última guerra  habiendo quedado abandonadas.    Finalmente la puerta de entrada con un pequeño letrero anunciando el estudio de  Cezanne,  el paso a un jardín natural, unos árboles añosos  y una pequeña construcción  con puerta de  madera  enrejado con vidrio revelando los años transcurridos,  al entrar, una escalera al lado derecho en un espacio estrecho,  común en varias regiones de Europa, y en la parte baja una pequeña cocineta  modesta,  en la que quedaron colgados los racimos de flores silvestres que el artista recolectaba en sus diarias sesiones de pintura al aire libre o paseos cotidianos para observar el paisaje que le obsesionaba y que según sus biógrafos y seguidores insistía que  el arte nacía de observar la naturaleza  con los “dos ojos” para obtener una visión diferente y el pintor debería captar esa “visión” para poder plasmarla en su obra..   

Vuelvo a su estudio, subiendo las escaleras un gran espacio abierto, detrás de una cortina de tela, divisoria, un sofá,  el caballete y todos sus “trebejos” en buen plan, de trabajo, no recuerdo si había  silla o banco, quizá no me importó, porque lo que me atrajo fue el gran ventanal abierto  a un paisaje  cerrado un paisaje  natural de montaña, que no se prolongaba más de 4 metros de horizonte..  quizá  pienso ahora,  era una representación visual, de la manera  obsecada de Cezanne de pensar no en los grandes y profundos paisajes o temas, sino en la naturaleza detallada  que a él le hablaba de otra manera…. Si el estudio sigue igual no lo sé, no tuve nunca la fortuna de volver pero ya en mi taller hice una obra  en su homenaje en la que la puerta de su estudio reflejaban los pequeños cristales las flores de afuera y donde lo permitían las sombras las flores secas de esos  racimos que él juntó y que quedaron  ahí como un testimonio encantador

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En años anteriores y con motivo de los 25 años de reinado de Isabel IIde Inglaterra tuve oportunidad de viajar con mi hijo Alejandro que terminaba la preparatoria e iniciaría su carrera profesional,   en un viaje que incluía interesantes eventos programados para festejo tan  especial  y para mi un curso de artes gráficas en la Heatherly School of Fine Arts . en Londres.

Nos hospedamos en la Queen Mary University en Southwoodford y con pases semanarios de Ferrocarril hicimos ida y regreso cada día por dos semanas..Vivencias interesantes  en  Universidad de primer mundo,enorme comedor con tres  Cheffs para atender grupos de escuelas y visitantes de diversas partes del planeta,  una estancia con su espacio de descanso,  estudio,y si no se había llegado a tiempo al comedor (horario puntual y cumplido)  un pequeño horno y cafetera eléctrica para aguantar el hambre hasta la comida siguiente . Concierto  en el Concert Music Hall de Londres atravesando el puente peatonal de rio Tamesis a la carrera porque el tren llegaba a la Estación Victoria solo 7 minutos antes, el Museo de Cera,en los suburbios más tenebrosos de Londres aún en pleno día,   el metro saturado de anuncios  ya entonces,  el Parque San James con sus visitantes ocasionales  aprovechadores del mínimo rayo de sol sobre cuerpo semi desnudo momentáneamente,   y tantas otras vivencias  muy  inglesas

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Aquí entra la relación de esos momentos que vuelven a surgir en motivo, la escuela   en un edificio antiguo,  amplio, con varios salones para las diferentes técnicas  y estudio del arte,  pero lo que me lleva a este recuerdo es la galería  exhibiendo obra de los artistas emergentes y ahí estaba  un gran cuadro  entre otros de  David Hokney : una alberca con coloridos reflejos de agua y en su parte superior un trampolín rompiendo el espacio superior. colores primarios, pinceladas amplias, época de la pintura pop,  debo reconocer mi falta de comprensión para esa tendencia en aquel año,  anteriormente había visto  en el Museo de Arte Moderno de N.Y.  la exposición de  Andy Warhol

con sus latas de sopas Campbell y el retrato de Maryleen Monroe que me habían dejado igualmente desconcertada..sin embargo  ahora leyendo  el libro “Donde estás” 150 años de

  

CON LA MEJOR INTENCION de empezar el año con tanto material , viajes, museos, sitios, compañía, etc, me encuentro ante el problema de que pensar es más fácil que escribir, y eso no es nuevo, pero ahora le sumo el que mi laptop se encuentra en estado de ¿?? Y le llueven anuncios espontáneos que se brincan en mi pantalla interrumpiendo mi trabajo obligándome a ir y venir por el teclado para quitar y reponer. 

Que está pasando?

Nos estamos conviertiendo en cajas receptoras de cuanto invento visual pueda ser transportado a nuestro cerebro sin que podamos defendernos?Por qué el progreso en la comunicación y en todos los sistemas que han sido inventados para nuestro uso y beneficio, acaban transformándose en máquinas reproductoras de anuncios comercio y mensajes que nos son 
impuestos a través de nuestros indefensos sentidos en todos los lugares, espacios y tiempos, sin consideración. 

 Pero en dónde nó tenemos tanta agresión? Estuve en mi querida ciudad de Mëxico, y entrando por el periférico resulta que los anuncios espectaculares ahora están en el espacio aéreo de los conductores( no sería dificil que las compañías de seguros aumenten su cuota por usar esa vialidad) los camiones (líneas urbanas para pasajeros) son carteles ambulantes de anuncios ; disparados visualmente hacia donde la vista se dirija: paredes, postes , piso, papeles aventados dentro del vehículo y seres humanos portadores de publicidad sobrepuesta en el torzo con las manos llenas de objetos para la venta,también, como pequeñas góndolas de supermercado navegando entre los carriles ( de autos atrapados casi siempre por razones desconocidas) y en puentes y pasos peatonales los anuncios y retratos de políticos en campaña, o pasadas campañas, se quedaron permanentemente junto con los mensajes de promesas , ambos olvidados. 

Esto no es una queja, es una asociación de ideas que me ha estado haciendo ruido en la mente desde hace algún tiempo y tiene que ver con la proliferación de espacios, salones, o estudios, como quiera que pueda llamársele, de tatuaje corporal, de prendas de vestir con anuncios, con cortes de pelo al rás del cráneo con frases y símbolos. Que de alguna forma también son mensajes transportables. 

Como artista visual que ha vivido más de ocho décadas cinco de éllas en los recovecos del arte, estuve en San Francisco y conocí artistas del movimiento hippy, fui a Inglaterra con mi hijo mayor y en el aeropuerto de N.Y. le cortaron con navaja su estuche de guitarra porque él llevaba el pelo largo y su barba de adolecente , no importó que su madre fuera con él. Estuve en Alemania Occidental y pude ver tapiadas las entradas al metro, el Muro de Berlín y los muros de las calles marcados todavía por las balas de una guerra que había terminado 25 años antes, pasamos por el barrio nazi de Alemania Oriental, en donde los jóvenes vestían chaquetas negras, cortes de pelo agresivo, y miradas poco amistosas, y como estas podría mencionar muchas otras ciudades, situaciones y cambios sociales que han propiciado que los espacios se llenen de reclamo , las ciudades estuviesen aún bajo el efecto de una guerra pasada, que los jóvenes utilicen su cuerpo para revelar su inconformidad , todo esto lo he entendido y comprendido porque no en balde pasan los años, soy una lectora insaciable de la historia y en todo ello hubo razones de peso que lo propiciaron.

¿En donde está entonces la razón para que nuestra ciudad esté siendo agredida sin misericordia en su arquitectura, su entorno aéreo, su vialidad, sus calles, sus muros (que son nuestros) sus espacios de recreo, sus árboles y cualquier otro elemento susceptible de ser alterado y su juventud apegada a modas y usos importados sin restricciones.?

¿Por qué nuestros jóvenes usan su propio cuerpo para tatuarse, y su cabellera para rapar signos?

Como artista visual esto ha entrado por mis ojos , no es un acontecimiento registrado que pueda ser narrado históricamente no se sabe cuando empezó ni cuando cambiará, ¡¡pero existe!!

VÍ en un programa televisivo cultural la entrevista a un joven artista que declara que su obra está compuesta por letreros, mensajes y avisos, publicaciones recortadas y pegadas sobrepuestas en un lienzo. Me abstengo de comentar.

¿Que es el retrato? No solo como un doble de alguien realizado en cualquiera de las multiples técnicas que a través de la historia se han venido utilizando…. ¿que significa?, ¿por qué ha permanecido en la mente de la humanidad desde siempre?

Me hago esta pregunta porque viendo las fotografías que aparecen en cualquiera de mis documentos oficiales, pareciera que en éllas se nos obliga a ver lo que nosotros no queremos ver en nosotros mismos.

Existiendo en el mercado cámaras de todos tipos, solas, en la computadora, en el teléfono, en los celulares, que nos dan un resultado mil veces más cercano y mejor, inmediato, las oficinas de gobierno nos obligan a aparecer ante cualquier cámara según esto, especializada en tomar fotos para pasaporte, credenciales, certificados etc. en espacios de lo más improvisados y con cámaras que son sostenidas a dos manos a 50 centimetros del fotografiado y recortadas a tijera para darles el tamaño indicado. Bien debo decir que siempre cercanos a las oficinas de gobierno están los establecimientos que todavía usan una cámara de tripié, y tienen a un lado del banco en que se debe sentar el interfecto, un espejito y un peine, por si quiere darse una retocadita ya que el pelo tuvo que estirarlo hacia atrás, dejarse ver las orejas, quitarse los aretes, y mirar fijo hacia la cámara para que el flash le de directo a los ojos, ah, y no los cierre porque vá de nuevo. Lo de los aretes afecta ahora a ambos sexos.

No importa el sistema, finalmente nos vemos en la foto y pensamos, Caray, ¿como es que esta mañana hice mi mejor esfuerzo para lucir mejor y este es el resultado? 

Bien, ahora vá en serio, escuchado y visto desde septiembre pasado en radio, televisión, internet, etc. etc. los acontecimientos y personajes que han conformado nuestra historia patria, me llevé varias sorpresas, existen retratos inventados, sí, nuestro héroe independentista y luchador acérrimo contra la esclavitud José Maria Morelos y Pavón no fué como lo vemos en los retratos, estos han sido realizados por medio de datos hablados, no dibujados ni pintados , por personas cercanas a él, que lo vieron, convivieron y trataron en diferentes etapas de su vida. Sus retratos son inventados. Y ahora vá mi pregunta; entonces, Cuahutemoc, Moctezuma, Netzahualcoyotl, también son inventados? Bueno, los retratos hablados en los sistemas penitenciarios, también son inventados. 

Y esto me lleva a preguntarme si el retrato ha sido un medio para preservar no a la persona, sino al poder que representa, su preponderancia en la época, su rango y dominio……. Y entonces que tan fieles fueron los retratos de personajes en la historia humana del mundo y que tanto los atributos plasmados en los mismos….. He visto retratos en museos de muchos países, los que están realizados al oleo la técnica más usada a partir del siglo XVI hacen énfasis en la vestimenta  y el personaje, si es que así fue, se pierde en telas, encajes, brocados, realizados con infinita meticulosidad,  y total ausencia de las dimensiones del cuerpo y la cabeza.  Me refiero en este momento a Zurbarán,  excelso pintor Sevillano,  nunca igualado en sus blancos,  cuya obra tuve oportunidad de ver y analizar con especial interés en Sevilla,  y que había quedado en mi memoria gracias a un comentario de Margarita Nelken  desde muchos años atrás, asi, todos personajes eclesiásticos de alto rango, cuya vestimenta abunda en terciopelos joyas,  encajes y sedas que incitan a ser tocados por su increíble naturalidad y es un hecho, los blancos de Zurbarán  son únicos. Y los personajes, ¿eran así? Más recientemente,  en el Museo de Arte Moderno de Dallas,  encontré  en sus magníficas salas, la exposición de un pintor contemporáneo, espectacular en su pintura, cuyos tonos de inmediato visual adelantan su temperamento: ocres,  café, verde y negro.   Lucian Freud, (nació en Berlin 8 de Dic.de 1922, falleció en Londres el 20 de Julio de 20ll)  su obra abarca  personajes comunes y corrientes,  en situaciones dramáticas  y poses sugerentes, desnudos femeninos y masculinos en dimensiones extraordinarias y en grupo algunos de  éllos.   Lo que me trae a este análisis es que a toda esa obra se le ha dado una dimensión de gran importancia, es decir, el artista realizó bajo ese concepto, según creo,  y sin embargo tiene algunos retratos de pequeño formato, cuyo personaje solamente  hombros y cara  casi llenan el lienzo,  realizados con una gran  calidad,  y  entre estas obras un retrato de la reina Isabel de Inglaterra,  quizá el más  pequeño de todos, con un gesto adusto, casi de enojo, que me hizo pensar que no le encantó que la retratara igual que a los otros nada reales(de realeza) personajes, y creo que sería peor si viese su retrato exhibido sobre el soporte de lienzo de un caballete que la hace ver mucho más pequeña.

¿Que es entonces el retrato? No es el  cuerpo físico, ni la cara, ni la persona….en sí,  tendrían razón nuestros remotos ancestros al negarse a ver duplicada su imagen  ni en espejo, ni en reflejo de agua,  porque se perdería algo del ser, que ahora llamamos espíritu.

NOTA- Después de escribir mi blog, decidí  ver la biografía de Lucien Freud en Wikipedia  y respecto a mi comentario sobre el retrato de la Reina Isabel  encontré que no estuve tan errada respecto a lo que juzgué, ya que en su momento dicho retrato  suscitó  enojo y duros comentarios en la prensa británica.  Como reflejo de su obra es interesante conocer aspectos de su vida como artista y su concepto sobre el retrato del cual dijo: El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza, la memoria, la sensualidad, la participación y la verdad, pinto gente no por lo que quisiera ser, sino por lo que es.    ¿?.

Paciencia y la duracion del tiempo, hacen más  por el porvenir que fuerza y rabia.

Esta frase no es mia, es una de las tantas citas sabias y magnificas del I Ching, el libro de las transformaciones , ancestral y de origen chino, que es mi virtual amigo desde hace muchos años  .Y bien,  en buenos y no tan buenos momentos nutre mi mente y mi espíritu, estimulándome, como ahora a probar mi capacidad de escribir este blog con una sola mano, no por capricho sino por haberme enredado en un traspiés con mi pequeña mascota, siempre bailoteando a mi alrededor, lo que me ha costado la fractura de una mano.

He pensado,¿que han hecho algunos artistas cuando sufren  limitaciones por nacimiento, accidente, descuido o “destino manifiesto”?  CLAR0!! Hay que consultar Wikipedia,  Google,Artehistoria, etc  ¡cuanta información a nuestro alcance¡  E aquí un personaje bien conocido:  JOSE CLEMENTE OROZCO,  uno de “los  grandes ”como suelen llamarles los críticos de arte de la pintura mexicana.  INFORMACION muy amplia y bien documentada existe en la red, pero, curiosamente, el dato que busco lo encuentro solo en www. ask.com, en inglés :  en 1904, a los 21 años  preparando material para luces artificiales con motivo de las fiestas de la Independencia,  provoca una explosión que  hiere su brazo izquierdo;  la misma celebración impide que encuentre atención medica y le es amputado días después a causa de la gangrena.

 No se menciona este hecho en sus biografias, como si fuese natural  que realizase con una sola mano  toda su creación artística.

He tomado este ejemplo  porque en el curso de mi vida artística he oído tantas respuestas inconexas:  que lo perdió cuando trabajaba en un proyecto de agricultura en el campo; que lo hirieron en batalla durante la revolución,  etc. y mi intención ahora es esclarecer un hecho importante:  debido a ese accidente  él  trabajo su obra total, dibujo, grabado, pintura  y muralismo con  una sola mano, su padre quiso imponerle el estudio de la agricultura a lo que se negó firmemente buscando por vocación la carrera del arte, realizó una obra monumental , ideológicamente integrada,  coherente,  con un amplio conocimiento de  técnica y materiales, y un amplio dominio de sí mismo si consideramos que el trabajo mural requiere andamios, abundancia de mezclas de pintura, preparación de muros, estabilidad y  moverse rítmicamente  con todos los elementos  necesarios para llenar amplios espacios  cuyo contenido  vá surgiendo casi abstracto por su cercanía física con el artista ejecutante.  

MI revisión de su obra, me dice que no ha sido evaluado a conciencia, puesto que  si recorremos a través de  la información  existente ( casi siempre repetitiva)  lo somero de los comentarios en la mayoría de sus biografias no se hace mención  de esta circunstancia, como un hecho relevante,que manifestó  su espíritu combativo, ideológica,física  y  temperamentalmente cuyo genio sobresalió sobre cualquier circunstancia de su vida que personalmente  f ué muy controvertida por tratarse de un artista de firmes convicciones contrarias a su  época,  su obra  a mi juicio  mantiene una relación total de principio a fín, estéticamente hablando,  resaltando ideales  y enjuiciando  en trazos firmes y decididos  las  relevantes injusticias sociales, la corrupción  y demás  estigmas del momento.

La enorme  dimensión de su obra mural me hace admirar no solo su talento sino su fortaleza física para ejecutarla.

He revisado la mayor parte de información en internet antes de escribir este blog y me atrevo a considerar que los datos han pasado de uno a otro medio casi iguales,  solo encontré uno diferente,que me parece escrito por alguien nó muy intelectualmente involucrado en critica ni datos bibliográficos,  pero con un contenido  fotografico  extenso y un texto que me permito transcribir por su frescura:

“Fue un pintor comprometido con las causas sociales en las que plasmó un realismo impresionante.  El plasmó  también la penosa situación del africano. Para él el muralismo es la forma más desinteresada de hacer arte porque no puede hacerse de élla un uso particular,sino que tiene una trascendencia social .Es por lo tanto el arte más puro y derecho para que el pueblo lo comprenda”

Probablemente  fue escrito  hace mucho tiempo  . Quizá es traducción del original en ingles , e inspirado por los murales pintados en el corredor Baker de la biblioteca del Dartmouth College en Hanover, New Hampshire  U.S.A  documentado fotográficamente   mostrando la magnitud de sus pinturas.

El sitio está firmado por ”el mundo de manue”  lo que me intriga un poco, y volviendo a la razón que dio´origen a este blog,  encuentro  foto del mural realizado en el paraninfo  de la Universidad de Guadalajara.  el personaje principal  que está ubicado en primer plano mantiene elevada  la mano derecha, y desde el espacio que ocuparía el brazo izquierdo un lienzo blanco cruza el torso.  Pintado en 1936  y en  el nombre de la obra : “La Conoscenza,  1936 Chapella dell”Universita, Guadalajara”

Finalmente, me pregunto :  dejó Orozco un testimonio  de su  capacidad para trabajar con un solo brazo?  

Probablemente el sitio mencionado   ha sido abonado  con colaboración internacional, no está profesionalmente diseñado, no contiene interés comercial,  me ha  resultado  muy accesible, me ha proporcionado  la información que necesité  literal y visualmente……...estoy contenta.

Querétaro,Qro.   Septiembre 5 de 2013 

Sí, mi tan ansiado taller  de arte se quedó estacionado,  anegado,  inconcluso  y pendiente por casi dos meses,  con su página web lista, todos los trebejos, mesas, material, y demás elementos tristemente estacionados esperando la acción y yo,  eliminada por una miserable varilla  enterrada entre el cascajo que el arreglo del espacio había generado,  y que me hace pensar que fue un acto de reproche por haber violado un antiquísimo espacio clausurado hace mas de 30 años,  lleno de muebles, libros, trozos de maquinaria, y polvo,  que a los que participamos en su descubrimiento nos lleno de entusiasmo y escarbamos en todo eso sin consideración.  Tengo que decir que encontré entre otros tantos un tesoro:  R.v R  Vida y Tiempos de Rembrand van Rijn. (traducción, del inglés) que ha llenado con creces los días que ese desafortunado accidente me mantuvo  entre enojada, inactiva, sometida a tratamientos quiroprácticos y alejada de mi taller. Este lapso sin embargo ha enriquecido también los planes de desarrollo de un espacio que estará dedicado a  la práctica del arte, de su exploración  en forma natural,  como  medio de expresión utilizando la capacidad individual para asimilar sus pormenores en cualquier técnica,  gozando de libertad de acción,  aprendiendo  componentes,  jugando  con los materiales y disfrutando de las sensación que produce el contacto manual con todo ello.

Esto no es una fórmula fantasiosa,  la formación de talleres a diferentes niveles me ha traido a este concepto,  la experiencia con alumnos que  han encontrado en esta actividad la forma mas disfrutable de ocupar su tiempo libre, de retar a la mente dedicada a trabajos reglamentados a salirse del sistema  organizado para incursionar en espacios de creatividad libremente,  descubrir  colores, texturas y volver a utilizar sus manos para mezclar los materiales  y sorprenderse de  los resultados  creándoles momentos de alegría, convivencia y …….SALUD!!!

 Quiero sumar a todo esto el descubrimiento de un libro escrito en 1660 por Joannis van Loon, medico y amigo de Rembrand Harmenszoon van Rijn  y cuyas notas fueron rescatadas,  para ser editado, por su tataranieto  Hendrik Willem van Loon  en el año de gracia de 1930 en la ciudad de Veer en Zelandia e impreso por Horace Liveright en la ciudad de Nueva Amsterdam  la cual se ubica en America (según nota introductoria  y tomando en cuenta la época en que fue escrito).

Pongo todos los datos porque es interesante recorrer con la mente la trayectoria de este libro: generado por la amistad y admiración de un médico por su paciente,  un joven  y ya entonces reconocido pintor en una ciudad medieval  todavía envuelta en guerras de poder y expansión,  realizando un arte incomprendido por una mayoría ignorante,  y pagado por una minoría poderosa, que pensaba que podría valer  un lienzo de lino tratado con  mezclas de  pegamento  y zinc y concentrados envejecidos de vegetales y animales muertos? Lo que deja en evidencia que fue su genio el que estableció los valores.   Ver su historia relatada en un documento escrito hace mas de trescientos años, rescatado en Europa,  trasladado a América , editado  justo un año antes de que  yo naciera , encontrado por mi  en una antigua casona, registrada por  Antropología,  81 años después,  que tendré  como valiosa joya en mi Taller Experimental de Arte y Creación  y me confirma en el concepto del arte  como parte importante del individuo en su hacer, disfrute y valoración,   para su  total integración.

Nuevos o viejos caminos
Recorremos siempre,  en la mente acumulamos un sinnúmero de ideas, conceptos, estilos, y pensamos que por esta vez haremos algo nuevo, sin embargo,  después de varios intentos nos damos cuenta que predominó lo que a través de los años nos ha identificado,  lo que se ha acomodado en nuestro espacio y funciones, lo que ya sabemos, lo que se ha hecho parte de nuestros hábitos y costumbre…… por qué esta disquisición?    Porque una vez más estoy abriendo un taller,  y eso me llevó como en una película a las veces que he buscado el espacio justo para trabajar en él y retrocedí a aquella privada que el Club España tuvo en Av. Insurgentes en la Cd. de México, eramos cuatro de familia, padre, madre y dos hijos pequeños- en una de sus casitas alquilada  yo planeaba no solo el espacio de hogar, también uno en el que pudiese pintar,  recién ingresada al Estudio del maestro Carlos Orozco Romero parecíame que al fín iniciaba una etapa largamente deseada, estudiar pintura en serio, y para ello me hacía falta un espacio propio que fue abriéndose paso entre recámara de bebes, ropa, juguetes y biberones y una caja de oleos, pinceles y demás materiales de arte  que viajaba de un mueble a otro, como visitante intruso que  trata de encontrar acomodo un poco avergonzado por no encontrar.su sitio.   Sin embargo, lo encontró mas que en  el entorno de casa, dentro de mi misma y a partir de ese momento fue parte de mí, de mi familia y de mi tiempo
Otros espacios le fueron dedicados a mi oficio al correr de los años y siempre bajo la misma perspectiva, respeto, comodidad, sencillez, luz, libertad, mis hijos aprendieron a compartirlo y solían unirse para hacer sus tareas,  y sentir la importancia de “trabajar” ahí  un rato,  tal vez leer y platicar un poco. 
Por  algunos años la entrada a mi taller, tuvo una armella bien segura en el marco de la puerta en que el bebé en turno se mecía en una cuna-columpio y mi esposo rezongaba porque la comida se preparaba al mismo tiempo que el desayuno,  y los horarios se adaptaban para que las funciones de la casa y las del estudio combinaran.
Más tarde,  el estudio ya fue parte del hogar, tuvo siempre su espacio propio y al recordarlo encuentro que no es raro que así fuera, mi padre que fue un ebanista enamorado de su trabajo y tuvo espaciosos talleres los ubicó siempre en el hogar mismo,  once hijos crecimos viendo siempre el trabajo que hacía  nos sentimos orgullosos de él y lo disfrutamos.
El taller que estoy preparando ahora forma parte de un espacio destinado al diseño y la creatividad,  en un inmueble que restaurado guarda su calidad de antigüedad, de historia de años,   ubicado en lo que se llamó la otra banda del río, destinado a ser compartido  con  el buen fin de aprender a hacer arte y como todos los anteriores reúne los atributos para su total función y disfrute. 

 Este ha sido un año rico en contenido humano, decisiones, contactos, visitas, y cambios.,    Todo se ha dejado venir sin planearlo, espontáneamente, y como dice el Libro de las Transformaciones del I Kin  del que soy ferviente lectora por su sabiduría y concisión  “déjate  afectuosamente guiar como el agua del río por sus orillas y  ganarás experiencia que aprovechará a los recién llegados”

Hace 22 años decidí dejar mi ciudad natal y creo que la confianza que llega con los años tiene una solidez invaluable.  Puede verse como legítimo orgullo el compartir la experiencia adquirida y seguir con el afán de dar y recibir llanamente.  Estoy abriendo el taller privilegiado de mis 82 años, TREDAC –Taller Experimental de Arte y Creación-

Hace 2 años se inició un sueño, un espacio que Jorge mi hijo visualizó como augurio pues el inmueble está situado en la calle Héroe de Nacozari  justo enfrente de la Estación de Ferrocarril en esta ciudad de Querétaro, tan impregnada del pasado en su arquitectura, rincones y cultura.  Jorge encontró el lugar que por principio reunía elementos paternos en sus recuerdos y además había sido también una JABONERA,  nombre que por la misma razón aplicaron  al Centro de Diseño 15 años atrás, fundado en otra JABONERA. 

De más está decir que el sueño se ha logrado, si para lograr algo hay que desearlo Jorge es un campeón en esta práctica y ha ganado, LA JABONERA Centro de Diseño nueva es una realidad, está en acción, y  yo soy una privilegiada, TREDAC,  estará  ya pronto en ese fantástico espacio también.

LA práctica de más de 50 años dentro del arte me respalda en el empeño de hacer más atractiva la enseñanza,  de iniciar al estudiante en el uso del material, preparar  sus mezclas, adecuar sus soportes,  conocer las herramientas:  pinceles, espátulas, raspadores, paletas,  pigmentos, colores, gamas y sutilezas del oficio,  entender el lenguaje, dominar las técnicas y de manera importante saber en que espacio puede ubicarse, que técnica se adapta a su temperamento y aptitudes innatas y despertar su creatividad  con ejercicios conductivistas que  pongan en actividad el lado derecho del cerebro que  la constante actividad mecanizada ha dejado ocioso.

El arte ha sido descrito de mil maneras, me permito catalogarlo como esencial en el desarrollo humano, el uso de las manos en el aprendizaje de cualquier disciplina artística   estimula el buen humor,  conforta y dá  seguridad  pues  es parte del desarrollo de habilidades  innatas y  desde la niñez, cuando el  uso normal de las manos se ha coartado, provoca problemas de lateralidad manual  que ocasionan en el niño tartamudez violencia y rebeldía .

En nuestros talleres,  el barro se aprende  con las técnicas manuales originales; tambien preparamos las mezclas para soporte de oleo, acrílico y técnicas mixtas;  en el dibujo  buscamos que el alumno encuentre su mejor medio de manejo y  damos preferencia a la comprensión de la forma para su mejor ejecución.

Tenemos como prioridad el aprendizaje por práctica y  efecto y el descubrimiento de nuevos materiales inorgánicos, reciclables que permanezcan en su segunda función como obras creativas  porque nuestro lema es que …

El Arte es un Juego

    Que es igual a pura vida

          Que es igual a puro fuego

              ARTE, JUEGO, VIDA, FUEGO:

                  VERAS LA FLAMA ENCENDIDA

 Abril 10 de 2013

  

Si la luz viaja a la velocidad casi instantanea, a que velocidad viajará la mente? porque mi experiencia con élla,  con la mente, es fantástica.  El sábado reciente subí a la terraza de mi hogar en donde puedo contemplar un maravilloso y siempre nuevo atardecer, Querétaro  según el dicho popular y los recuerdos de algunos poetas ofrece las puestas de sol más espectaculares. Yo, con conocimiento de causa me sumo a éllo  viéndolo diariamente  acompañada por mi perrita Suki que tiene un sentido exacto y preciso de la hora en que esta ceremonia debe realizarse, pero no quiero desviarme…  fue una tarde de frio intenso, sorpresivo  pues ya los días anteriores nos habían adelantado calor y sol de modo que mi mente pensó que bien me caerían mis botas de gamuza verde olivo que  se  perdieron en un vuelo de Aeroméxico que aterrizó  de improviso en la Cd. De México y me mandó en vuelo suplementario a León, Gto.   sin previo aviso.   Ahí empezó el viaje mental y en dos segundos me trasladé a New York  en donde pretendía culminar la investigación de un dibujo atribuído a Miguel Angel que  me llevó de la Biblioteca de la Capilla Medici, a  la casa de Miguel Angel  en Florencia, que contiene algunos motivos decorativos y que habitó de joven con su familia,  al  Ashmolean Museo de Oxford   -  por el dibujo de la Virgen Maria con San Juan niño de la colección del British Museum-   y al Museo Metropolitano de New York en cuya colección está el dibujo de una de la Sibilas del Juicio Final en la Capilla Sistina del  Vaticano,  ambas firmadas por  Miguel Angel.   Después de casi 6 años de minucioso trabajo  había conseguido identificar la marca de agua del papel en el catálogo más completo que existe en la Universidad de Génova,  los análisis químicos de tinta utilizada en la escritura de la  parte posterior con instrucciones sobre los colores a usarse en  ese  proyecto y una firma que coincide (hasta ahora)  con las de las obras arriba mencionadas, en tamaño, formato y color,  y  lo  más importante una cita con la Dama del Papel en el Museo Metropolitano  de New York.     El frío era intenso y el viento se filtraba sin recato por todos lados,   iba acompañada por el propietario del dibujo su joven sobrino, y   mi  colaborador en Relaciones Públicas.  El tiempo no afectaba nuestro entusiasmo acudíamos a una cita de gran importancia con un personaje de alto nivel en el Museo,  entrar al edificio con un guía especial y penetrar en sus oficinas  con un dibujo de Miguel Angel en el portafolio  era un logro fuera de serie después de tantos años de trabajo.  De más  está decir que seleccioné para esa cita mi gabardina inglesa,  mis botas de ante y el resto del atuendo adecuado a la Directora General de Arte Coleccionistas Servicios, que era mi empresa.

Fuimos recibidos  con el debido protocolo, la Dama del Papel, que  es la curadora permanente de la colección de dibujos, grabados y  en general toda la obra realizada en papel del acervo  del Museo, fue  gentil, revisamos documentos, fotografías, material de información y fechas por espacio de casi dos horas y finalmente   me aseguró que las firmas  encontradas en esas obras eran adjudicaciones realizadas  probablemente por el sobrino del artista y  no firmas originales del mismo ,  por lo que difícilmente  podría considerarse  la autenticidad de la obra  en gestión, que  bien podría llevarse 10  años más de investigación ¿?¡?¿ El relato es corto pero el intercambio de opiniones  fue bastante más largo…..

El hielo  pesaba en nuestro ánimo tanto o más que en las calles, sin embargo,   salimos de la oficina  y  retomando los pasillos  hacia las diferentes salas,   me detuve viendo  con gran sorpresa que aún estaba en la sala de exposiciones temporales  la exposición  de  obra de pequeño formato de Vincent VanGogh,  había permanecido por casi tres años en exhibición y  ….ahí otro brinco de la mente…. La navidad de tres años atrás mi querida amiga y colega Lucille Wong y yo decidimos un viaje improvisado para el año nuevo en New York,  con viento, nevadas, y el máximo regalo: la exposición de obra pequeña de Van Gogh en el Museo Metropolitano.. bravo¡¡¡

Llegamos el 30 de diciembre en la noche, y el día 31  emprendimos la caminata a través del Central Park,  las banquetas brillaban de hielo,  el viento y la lluvia  persistían, pero no importaba teníamos una cita  con VanGogh.  Llegamos al Museo,  la escalinata en todo lo largo  estaba  moteada de gentes cubiertas con plásticos,  impermeables improvisados,  y sombreros goteando  y en las manos en alto  letreros de COMPRO BOLETO,   DEBO REGRESAR A JAPON,  o a  otra parte del planeta.  Los  boletos de entrada habían sido vendidos desde el año anterior,  las entradas estaban agotadas y no habría boletos en dos o tres  años a futuro.

Y  he  ahí  sorpresa increíble!  tres años después estaba en la sala de VanGogh viendo la exposición que años antes  me había sido negada. No lo podía creer!   Por lo menos ese viaje me había dado un regalo sensacional!!!

Sí,  mi equipaje se perdió,  mi gabardina inglesa y mis  preciadas botas también,  mi trabajo de investigación  terminó  con  la certeza de haberlo realizado profesionalmente,  pero  vi  a VanGogh en  solitario,  disfrutando sin ruidos ni prisa, una exposición de regalo!

Y  este sábado pasado  Suki y yo bajamos como siempre contentas,  el ocaso  se tiñó de tonos rosas y violetas sobre fondo gris  que el sol apenas traspasa, el frío  era inusual y calaba  más  debo agregar que  viajé a New York,  estuve en el Museo Metropolitano,  sentí el viento frío casi de invierno y ví  otra vez a VanGogh,   gracias a mi mente viajera.  SOY MUY AFORTUNADA!!!

 Febrero 20 de 2013

Hace años recibí invitación personal de la esposa del Gobernador de Chihuahua para  exponer en el Museo de Antropología,  bello edificio que albergaba un amplio muestrario de rosas del desierto,  rocas y minerales de la región  y un hermosísimo comedor art nouveau espectacular pues los muebles fueron tallados de tal manera que las raíces de los  árboles quedaron no solo integradas a éllos, sino que se prolongaban perfectamente adheridas con un bello trabajo de ebanistería  a los muros y techo del recinto en que se exhibían. Creo recordar que eran un legado de la familia Russek, donado al museo junto con el inmueble.  Cuando  visite la Sala de Exposiciones Temporales  me encantó, era amplia, bien iluminada, y con clima artificial  (el evento se realizó en Verano  caluroso y húmedo)  Montamos  la obra sin el menor problema. Para impedir problemas de daño excesivo en el muro al colgarlas había decidido usar marcos ligeros fácilmente manejables,  TAN MANEJABLES,   que  la mañana de la inauguración  cuando revisaba que todo estuviese en órden  ( las cédulas, los nombres y  la lista  de obras)  éstas había  sufrido cambios por lo que pinturas y marcos se habían torcido colgando separados del muro  en toda su chuecura OCASIONADA  por el clima artificial. La solución al problema fue muy drástica - ya que usé placas de fibracel para pintar-  teniendo que clavar al muro  cada cuadro, daño que yo había deseado evitar.   
La inauguración se llevó a cabo con su correspondiente corte de listón, mensaje del Director del Museo,  fotos, notas periodísticas  y cooktail,  nunca se mencionó el percance y el Museo generosamente reparó el daño, pero  yo me quedé con la duda de si el hecho de no haber vendido una sola obra se debió a que la señora presidenta no compró la primera (como alguien me mencionó pasado el evento) o la gente pensó que  tendría que clavar los cuadros al muro y no les gustó la idea.
Increíblemente, la obra regresó como se fué  parecía que lo acontecido en la exposición había sido un mal sueño  pero  en verdad, solo tuve que reparar los hoyos dejados por los clavos en las esquinas de los marcos, únicos testigos de  esta aventura y pasados los años reflexiono que al quedar empacados en grupos de tres y presionados en las rejillas de madera recibieron un tratamiento térmico que los volvió a su estado original. No he vuelto a tener noticias de éllos en 40 años. Están felizmente integrados  a colecciones  particulares  y debo agregar que el artista debe realizar su obra en y sobre materiales que le garanticen durabilidad y certeza de permanencia.